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2017

  • 02/03/17 al 23/04/17 - Gerardo Goldwasser - Vaivén   Catálogo
  • 08/03/17 al 07/05/17 - Mes de la Mujer - Colección MNAV
  • 09/03/17 al 07/05/17 - Olga Bettas - Molinos de viento
  • 09/03/17 al 07/05/17 - Luis Alonso - Inconclusa
  • 04/05/17 al 25/06/17 - Víctor Lema Riqué
  • 17/05/17 al 16/07/17 - Homenaje a José Enrique Rodó
  • 19/05/17 al 23/07/17 - Horacio Añón
  • 25/05/17 al 30/07/17 - Inside Out
  • 06/07/17 al 17/09/17 - Lacy Duarte
  • 04/08/17 al 01/10/17 - Arte Abstracto Uruguayo
  • 10/08/17 al 24/09/17 - Nelson Romero
  • 07/09/17 al 05/11/17 - Bienal Sur/Colectiva
  • 05/10/17 al 12/11/17 - VII Bienal Internacional de Arte Textil Contemporáneo
  • 19/10/17 al 28/01/18 - Guillermo Fernández
  • 24/11/17 al 18/01/18 - MUFF
  • 24/11/17 al 28/01/18 - José Cúneo - Colección MNAV
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   Invitación    Catálogo    Actividad    Exposiciones 2017


Gerardo Goldwasser - Vaivén


Gerardo Goldwasser
Vaivén

Inaugura el jueves 2 de marzo a las 19:00 horas
Sala 5

Los moldes, objetos que existen y se usan en un oficio, son reconstruidos para otro escenario, y ese «tránsito» le permite construir casi como artesano. Además, usando esos métodos, instituye un puente entre la techne, lo artesanal y manual y el arte en el sentido que conocemos del término. Los griegos utilizaban la palabra techne, para referirse a la habilidad, artesanía, manufactura, técnica, arte y una forma de conocimiento. Goldwasser preserva la techne: busca la perfección del oficio, persigue el esmero de la ejecución, obtiene las habilidades necesarias y actúa con el poder creativo, mental, intelectual e imaginativo del artista. Mantiene el equilibrio entre ambas esferas que interactúan.
El énfasis que le quiere imponer a la obra y a sus connotaciones tiene diversas variables y depende de una conjugación de raciocinio, intuición y azar.
Lo objetual, lo material, lo espacial y lo tridimensional comienzan a jugar un papel importante en sus postulaciones.


Obra abierta


A Goldwasser le importa el receptor y las maneras en que este capta sus diversas propuestas. Rechaza un discurso visual obvio, evidente, verticalista y univoco, y sus obras estimulan múltiples interpretaciones y lecturas. Las suyas son obras abiertas (Umberto Eco) y generan múltiples posibilidades de interpretación. En la lectura de esas posibilidades juega un papel importante el receptor, quien tiene una participación activa. Él reinterpreta, acercándose a su propuesta y abriendo, a su vez, otras lecturas posibles. Goldwasser genera pautas y reglas inscritas en las obras, pero esas marcas, aunque admiten varias lecturas, no acogen cualquier lectura. Al ver sus propuestas es obvio que las concibe hacia la apertura, pero a la vez hay una relación dialéctica entre «definitud» y «apertura».1
El receptor crea significados actualizando esas propuestas. Es su participación la que completa la obra. Al mismo tiempo, la obra transforma al receptor, porque este la incorpora a su conciencia, la interioriza y la convierte en parte de su propia experiencia.2

Intertextualidades


Ecos del arte abstracto, del arte geométrico, del arte concreto, del arte conceptual y del arte povera intervienen en las postulaciones de Goldwasser. Él se aleja de todo tipo de representación y narrativa. Los motivos y temas que inspiraron su obra están materializados de manera abstracta, controlada, geométrica y se destaca por su línea creativa de absoluto despojamiento cromático. Su obra es ascética, severa, acorde a las temáticas que menta. Y los materiales que usa son humildes y pobres, o poco bellos, como el pvc y la tela.

En la obra de Goldwasser predomina el silencio. Puede escucharse en el mutismo de los fieltros negros, se oye en la adopción de lo implícito, se siente en las reticencias a revelar un tema o unas connotaciones, se percibe en las interrupciones creadas entre los moldes, se denota en las ocultaciones de sus papeles velados y se observa en la sutileza muda de las marcas sobre papel.
El silencio es un protagonista importante en el arte de los siglos xx y xxi. John Cage fue un precursor,3 Lucy Lippard escribió un artículo titulado, "The silent art"4 y Susan Sontag se refirió a la importancia del silencio.5 También hablaron de él tempranamente Allan Kaprow y luego Donald Kuspit, entre tantos otros.
Es una manera de hablar, un elemento del diálogo. Genera una zona de meditación más allá del conocimiento; hay silencios elocuentes que resuenan. Con él se llama la atención, se crea un panorama menos contaminado, y el espectador se distrae menos poniendo una atención selectiva. Depurado por el silencio, el arte puede trascender.
Goldwasser demuestra con él estar contra el consumismo estético y contra la violencia de la cultura visual masiva.
Rompe con la referencialidad, extiende el estímulo receptivo de los espectadores, genera extrañamiento y afirma un tejido polisémico.

1 Eco, Umberto: La definición de arte, Barcelona: Ediciones Martínez Roca, 1983.

2 Ver la teoría de la recepción estética, Rezeptionsästhetik, la escuela de Constanza, Hans Robert Jauss y Wolfgang Iser, Peter Uwe Hohendahl y otros.

3 John Cage creó en 1952 la pieza silenciosa 4'33'' estrenada por D. Tudor, el 29 de agosto de 1952, en Woodstock Maverick Concert Hall, en Woodstock, Nueva York, sin tocar ni una sola nota al piano durante el tiempo que marca su título.

4 Lippard, Lucy: "The silent art", Art in America 55, n.o 1 (Jan-Feb 1967), pp. 58-63.

5 Sontag, Susan: "The aesthetics of silence", in Styles of radical will, New York: Anchor Books, Doubleday, 1991.

Curadora: Alicia Haber

La muestra permanecerá abierta hasta el domingo 23 de abril de 2017.


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Fotografía: Pablo Bielli - Olga Bettas - Molinos de viento
Fotografía: Pablo Bielli

Olga Bettas
Molinos de viento

Inaugura el jueves 9 de marzo a las 19:00 horas
Sala 3

Seres imaginarios en el arte textil de Olga Bettas.

Olga Bettas transita desde hace muchos años por el camino innovador del arte textil y el de las fibras que tiene particular protagonismo en el mundo contemporáneo. El arte textil y de las fibras genera un nuevo paradigma estético.
Bettas elige materiales no tradicionales para crear piezas tridimensionales, realiza operaciones diversas con numerosas telas y fibras, desde las naturales hasta las artificiales incluyendo desde materiales nobles hasta los más humildes y descartables. Supera, en diversas creaciones y sobre todo en esta instalación en el MNAV la bidimensional tradicional del tapiz. Le interesa ampliar los lenguajes, desafiar las fronteras entre las expresiones artísticas y crea esculturas blandas y objetos sin detenerse ante fronteras perimidas. Experimenta con materiales, con formas y con diversas técnicas.
Utiliza la puntada, subraya el valor del acto de coser, recurre al collage y al assemblage de telas, elabora patchworks, adopta apliques, e interviene las piezas con bordados. Se puede hablar, en su caso, de "femmage" un término inventado por Miriam Schapiro y por Melissa Meyer, para destacar el papel de obras realizadas con materiales afines a la vida de la mujer como la puntada, la costura, los pedazos de tela, el bordado. El "femmage" explora y honra la creatividad y los recursos expresivos de las mujeres. Otro diálogo posible es el de la escultura blanda creada en 1962, por Claes Oldenburg quien trabaja con materiales orgánicos.
Bettas rescata la manualidad femenina como parte de su discurso y la sustrae del contexto peyorativo "trabajo manual del hogar". La labor manual adquiere una gran importancia.
Ahora crea una instalación en la que el protagonismo lo tienen dos enormes figuras imaginarias vinculadas a un bestiario propio y que Bettas asocia, de alguna manera, a la inspiración que le suscita la poesía de Marosa di Giorgio. Es la primera vez que trabaja con un bestiario. Y postula seres quiméricos propios de una zoología fantástica. Son extrañas criaturas y la hibridación está presente. También lo misterioso y lo enigmático se destacan en esta instalación que tiene varias connotaciones y despierta varias lecturas.
Los de Bettas son seres que emergen de su imaginación y no encajan en ninguno de los bestiarios conocidos como Physiologus, el de San Isidoro de Sevilla (libro XII de las Etimologías) y San Ambrosio, el Bestiario de Aberdeen, el de Leonardo da Vinci, el Bestiario de Juan de Austria escrito por Martín Villaverde y los de Jorge Luis Borges, (Manual de zoología fantástica. Fondo de Cultura Económica: México, 1957) y (El libro de los seres imaginarios. Editorial Destino: Barcelona, 2007 (reedición).
Los dos animales fantásticos, casi acéfalos, con cabezas hipotrofiadas y con miembros muy pequeños, parecen capaces de reptar. Vísceras, que la artista llama "triperío", emergen de sus cuerpos, mientras se instala en la sala un clima inquietante, ominoso y onírico.

Alicia Haber, curadora de la muestra

Olga Bettas
Licenciada en Artes opción Artes Plásticas y Visuales, Universidad de la República Oriental del Uruguay. Integró el taller de Nelson Ramos 1991-2005. Ha participado en más de setenta muestras colectivas, entre las que se destacan los encuentros textiles del CETU.

Muestras individuales:
1997: Xalquida, Grecia, Hotel Paliria.
2000: Bastión del Carmen, Colonia del Sacramento, Uruguay.
2002: Galería Áurea, Montevideo, Uruguay.
2003: Corazas Poéticas, Instituto Goethe, Montevideo, Uruguay.
2004: Librería La Lupa, Montevideo, Uruguay.
2005: Cuartel de Dragones, Maldonado, Uruguay.
2007: Nidos que ocultan secretos, Cabildo de Montevideo, Uruguay.
2009: Galería Forma, Buenos Aires, Argentina.
2009: Librería La Lupa.
2010: Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina.
2010: Doble discurso, Fundación Engelman Ost, Montevideo, Uruguay. 2012: Premio Fondos Concursables, la muestra fue expuesta en el Cuartel de Dragones, Maldonado, Bastión del Carmen, Colonia, y Fundación Engelman Ost.

Premios y menciones

1998: Mención Salón Rotario pintura internacional.
1998: Mención de Honor 10º Salón de Pintura Marítima 70 Aniversario Club Naval.
1999: Mención de Honor 11º pintura marítima Fin de Siglo, Club Naval.
2000: Tercer Premio IMM, 75º Aniversario Semana Criolla.
2000: Mención B"Naith B"rith del Uruguay, Motivos del viejo testamento.
2001: Mención honorífica, 49º Salón Nacional de Artes Visuales, Uruguay
2004: Primer Premio Viaje Bienal de San Pablo, B"nait B"rith del Uruguay.
2004: 51º Salón Nacional de Artes Visuales, seleccionada.
2005: Mención (INAVI).
2005: Mención de honor, Club Naval.
2007: 52º Premio Nacional de Artes Visuales María Freire, seleccionada.
2011: Premio 9ª Bienal de Salto, seleccionada.
2012: Proyecto seleccionado Fondos Concursables, MEC.
2013: Premio 10ª Bienal de Salto, seleccionada.
2014: Premio 56º MNAV, José Gamarra, seleccionada.


www.olgabettas.com

olgabettas.blogspot.com

La muestra permanecerá abierta hasta el domingo 7 de mayo de 2017.


   Invitación    Actividad    Exposiciones 2017


Luis Alonso - Inconclusa


Luis Alonso
Inconclusa

Inaugura el jueves 9 de marzo a las 19:00 horas
Sala 4

"No se le daba el fútbol. Era más bien torpe, no la descosía. Y eso es algo que apenas puede tolerar: no ser el mejor, no estar entre los elegidos. A los 16 años se enteró de que existía la fotografía, se metió en el Foto Club y no paró nunca más. Empezó a sacar buenas fotos desde el principio y se dio cuenta de que su destino iba por ahí. Se aplicó en ese camino con su carácter obsesivo, hiperactivo, avasallante.

Busca llevar a la perfección todo lo que le interesa. Ha interrogado la materia fotográfica en una gran variedad de formatos y soportes, en el mundo analógico y el digital: investiga todas las posibilidades hasta llevarlas a donde necesita.

Su manera de abordar el asunto fotográfico es su manera de abordar la vida: cayendo en picada desde un vuelo alto para apresar el momento. Alonso no pide permiso, no se abre paso con una sonrisa. Alonso domina la escena, en el instante fugaz o en el laborioso estudio.

Siempre vivió de la fotografía. Es un profesional desde hace 26 años. Trabajó en prensa diaria, en revistas y en publicidad. Su obra artistíca tiene que ver con sus diferentes etapas profesionales, en una evolución hacia un universo cada vez más controlado.

Solo le interesa la mejor fotografía posible. Para él es esencial la luz que pasa a través del lente. No lo que él piense y sienta, sino la intuición de que ésa es la foto, de que ese momento vale. Su deber es plasmar ese fragmento de realidad, lograr que se luzca en todo su esplendor.

De ahí su obsesión por cada detalle técnico, desde la toma hasta la copia final. Alonso entiende la obligación de exponer bien, de revelar bien y de copiar bien. Entiende la importancia de la óptica. Entiende todo el trabajo que implica hacer una buena foto. Y se lo toma con toda la seriedad del mundo."

De perfil - Gabriel García Martínez (curador de la exposición)

La muestra permanecerá abierta hasta el domingo 7 de mayo de 2017.



  Ministerio de Educación y Cultura - Dirección Nacional de Cultura  

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